¿Qué es el ARTE?
El arte tiene muchos significados, la poesía es un arte, el ballet, el teatro, la poesía, etc.
Una vez escuché que también puede considerarse arte a tareas como la cocina, la pesca… pero cuando se habla de arte se refiere a algo creado con fines meramente estéticos, crear algo es arte ya que el fin del creador es lograr que lo creado sea admirado y comprendido. El arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes lo observan, la experiencia que vivimos a través del mismo puede ser del tipo intelectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos. la experiencia que vivimos a través del mismo puede ser del tipo intelectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos. De algún modo todos somos artistas; el cambio de peinado, el cambio de vestuario, persiguen la creación de una imagen visual distinta, somos “artistas cotidianos” en ese sentido concuerdo con Dino Formaggio el cual asegura que el «arte es todo aquello que los hombres llaman arte”.
El arte es una forma de expresión, en la que el artista demuestra su percepción de mundo, sus sensaciones más íntimas. Desde los comienzos de la historia el hombre ha tenido la necesidad de expresar, y las diversas manifestaciones del arte forman parte del bagaje cultura de cada civilización, el arte por esto es fundamental en cada nación y en la formación de esta.
Es difícil definir la palabra arte, podemos definir una obra de arte diciendo que es cualquier hecho por el hombre con una doble estética y la otra religiosa, social, etc.
Para mi la definición de arte es subjetiva, algunos la asocian con la ciencia ya que dicen que el arte como la ciencia requieren de habilidad técnica , ambos buscan comprender el universo en el que habitan, transmiten lo que interpretan a otros individuos, una diferencia entre ellas que separan al arte de la ciencia es la posibilidad de refutar, mientras que los científicos pueden invalidar leyes o teorías a través de investigaciones, las obras de arte poseen un valor permanente, aunque cambie el punto de vista del artista o el gusto del público.
jueves, 17 de junio de 2010
miércoles, 9 de junio de 2010
RSA Animate - The Secret Powers of Time
"No se puede cambiar el pasado, pero se puede arruinar el presente por preocuparse por el futuro"
domingo, 6 de junio de 2010
Memoria
“La memoria es la capacidad mental que posibilita a un sujeto registrar, conservar y evocar las experiencias (ideas, imágenes, acontecimientos, sentimientos, etc.) puede definirse como la retención del aprendizaje o la experiencia.”
Pero, ¿Qué pasa si queremos "borrar" algún momento o situación de este aprendizaje?, Existen muchos mecanismos de defensa que ocupamos consciente o inconscientemente para lograrlo, uno de ellos la Represión, esta se define como el mecanismo que consiste en rechazar fuera de la conciencia todo aquello que resulta doloroso o inaceptable para el sujeto.
Nos enfrentamos a conflictos emocionales y amenazas de origen interno o externo y expulsamos de nuestra conciencia lo que nos desagrada, a veces no sabemos por qué rechazamos tal situación, el trabajo sobre la conciencia afecta en nuestro actos , aunque no estemos conscientes de ello.
Me ha pasado un par de veces que existen personas que a primera vista no me son agradables, y no hablo de belleza física, pienso que quizás ciertos rasgos me recuerdan a otro momento o personaje poco agradable.
Cuanto más trato olvidar más recuerdo, en ocasiones la eficacia de la represión puede ser tal que ignoramos lo reprimido y también qué reprimimos. Hay pensamientos que existen contra mi voluntad, como cambiarían las cosas si dependiera de la voluntad y que ciertas ideas fueran resultado de esta y que aquello que no deseamos no existiera.
En mi caso, cuando siento que olvido, sueño lo que supuestamente he olvidado, existe cierta energía psíquica que lucha por manifestarse. Lo reprimido aparece, aunque distorsionado,en los sueños en las fantasías, los lapsus, los actos fallidos, etc. los recuerdos olvidados no desaparecen, sólo están enterrados en el inconsciente.
Se dice que la represión es un proceso inconsciente aunque a veces puede estar facilitado por hechos conscientes. Por ejemplo la semana pasada le grité a mi mamá y me avergüenzo de ello, si trato de no pensar en ese momento después de un tiempo quizás no lo recuerde, en el fondo todo está en el poder de la mente.
Según Freud, la represión de esta manera permite eliminar los sentimientos de dolor o ansiedad, pero si se utiliza en exceso tiene su costo, ya que hay que emplear gran cantidad de energía para mantener los eventos rechazados inconscientes.
El mantenimiento de la Represión supone un continuo “gastos de energía psicológica” que empobrece las superficiales relaciones (“fatiga neurótica del neurasténico”.
Pero, ¿Qué pasa si queremos "borrar" algún momento o situación de este aprendizaje?, Existen muchos mecanismos de defensa que ocupamos consciente o inconscientemente para lograrlo, uno de ellos la Represión, esta se define como el mecanismo que consiste en rechazar fuera de la conciencia todo aquello que resulta doloroso o inaceptable para el sujeto.
Nos enfrentamos a conflictos emocionales y amenazas de origen interno o externo y expulsamos de nuestra conciencia lo que nos desagrada, a veces no sabemos por qué rechazamos tal situación, el trabajo sobre la conciencia afecta en nuestro actos , aunque no estemos conscientes de ello.
Me ha pasado un par de veces que existen personas que a primera vista no me son agradables, y no hablo de belleza física, pienso que quizás ciertos rasgos me recuerdan a otro momento o personaje poco agradable.
Cuanto más trato olvidar más recuerdo, en ocasiones la eficacia de la represión puede ser tal que ignoramos lo reprimido y también qué reprimimos. Hay pensamientos que existen contra mi voluntad, como cambiarían las cosas si dependiera de la voluntad y que ciertas ideas fueran resultado de esta y que aquello que no deseamos no existiera.
En mi caso, cuando siento que olvido, sueño lo que supuestamente he olvidado, existe cierta energía psíquica que lucha por manifestarse. Lo reprimido aparece, aunque distorsionado,en los sueños en las fantasías, los lapsus, los actos fallidos, etc. los recuerdos olvidados no desaparecen, sólo están enterrados en el inconsciente.
Se dice que la represión es un proceso inconsciente aunque a veces puede estar facilitado por hechos conscientes. Por ejemplo la semana pasada le grité a mi mamá y me avergüenzo de ello, si trato de no pensar en ese momento después de un tiempo quizás no lo recuerde, en el fondo todo está en el poder de la mente.
Según Freud, la represión de esta manera permite eliminar los sentimientos de dolor o ansiedad, pero si se utiliza en exceso tiene su costo, ya que hay que emplear gran cantidad de energía para mantener los eventos rechazados inconscientes.
El mantenimiento de la Represión supone un continuo “gastos de energía psicológica” que empobrece las superficiales relaciones (“fatiga neurótica del neurasténico”.
viernes, 21 de mayo de 2010
MUNCH Y STRINDBERG
1896. Lithografía. 60 x 46 cm. Munch Museum, Oslo, Norway.
August Strindberg. 1892. 120 x 90 cm. Museo de arte Moderno, Stockholm, Sweden.
A Strindberg no le gustó la pintura que de él hizo Munch. Pensó que Edvard había
cargado las tintas al plasmarlo en esa odiosa actitud de artista egocéntrico; y por tal motivo repudió el cuadro de inmediato, porque según él esta imagen pretenciosa no se correspondía con la verdadera naturaleza de su noble espíritu. Sin que le importaran las consecuencias, August decía siempre lo que pensaba, de modo que no sólo criticó la obra sino que terminó insultando al pintor (también le irritó que éste omitiera la letra d en su apellido cuando intituló el cuadro, expuesto hoy en el Museo de Arte Moderno de Estocolmo). La polémica en torno de la calidad estética del retrato finalizó en un amargo distanciamiento, uno de los tantas peleas que sostendrían estas dos almas gemelas, quienes para bien y para mal compartían numerosas cosas en común: la hipocondría, la irascibilidad, la misoginia, la inseguridad personal, la rebeldía innata y un talento de estirpe divina.
Durante estos trepidantes años vividos en Alemania, al iniciarse la última década del XIX, August y Edvard compartieron sus filias y sus fobias, y, lo más importante, se disputaron el amor de una mujer adorable: Dagny Juel (“Ducha”), quien estaba casada con Stanilaw Przybyszewski (“Stanczu”), un extravagante poeta polaco que era el espécimen más conspicuo de la bohemia berlinesa. Ciertamente a Strindberg, como al propio Munch, le encantaba ser víctima y victimario del tortuoso juego de inmiscuirse en triángulos amorosos.
Era algo que los dos artistas no podían controlar: amaban y odiaban a las mujeres; les tenían miedo y las deseaban; eran incapaces de satisfacerlas sexualmente y al mismo tiempo sólo ellas, las más liberadas, les provocaban una excitación sexual apremiante. Ambos engañaron y fueron engañados. August se casó en tres ocasiones y tuvo infinidad de amantes. ¡Una larga suma de fracasos estrepitosos! Su primera mujer, Siri von Wrangel, dejó a su aristocrático marido para casarse con el joven y prometedor dramaturgo: una pasión amorosa que se extinguió con rapidez y se transmutó en un frenético aborrecimiento. El segundo matrimonio resultó más lacerante aún: la bella periodista austriaca, Frida Uhl, quien pronto se hartó de los ataques de su marido, decidió abandonarlo para seguir el rastro de Willy Gretor, un marchante de arte, conocido por seducir y en seguida deshacerse de cuanta
dama se le atravesara en el camino. Y el tercero y último enlace nupcial, esta vez con la jovencísima actriz sueca Harriet Bosse, no fue la excepción: el avejentado y enfermizo August –convertido para entonces en gloria universal de las letras- padeció durante sus últimos años la tortura de saber que su insaciable esposa no era capaz de resistirse a cualquier actor mediocre que quisiera cortejarla. (Para colmo de males, la errática Academia sueca cometió la torpeza de no otorgarle el premio Nóbel.) Y de estas llagas purulentas a lo largo de su vida, Strindberg extrajo obras literarias excepcionales. Munch, por su parte, también se auto flageló en cada una de las relaciones amorosas que sostuvo con hermosas mujeres, pero igualmente supo curar sus heridas a través de lienzos que se fueron sumando y nutriendo unos con otros hasta conformar ese amargo y al mismo tiempo veraz retrato pictórico de las pasiones humanas: el Friso de la vida.
Munch y Strindberg, esos dos amigos y rivales, ambos inseguros y soberbios, misóginos e hipersexuales, talentosos y egotistas, hipocondríacos y atormentados, quienes no dudaron en vender una y mil veces su alma al Diablo a fin de
alcanzar los confines de la más alta creación artística. ¡Un compromiso fáustico pactado con sangre y hasta la muerte! August, desde la ruptura con su segunda esposa, padecía crecientes paranoias y unos celos cada vez más patológicos. Pasaba noches enteras sentado a la mesa, con la foto de sus hijos enfrente y un revólver al lado, coqueteando con la idea del suicidio o bien fantaseando con peligrosos experimentos alquímicos que, debido a su torpeza, le produjeron sucesivos accidentes de consideración. (El demencial diario novelado de estos días aciagos en París se publicó en 1898, y porta el más certero de los títulos posibles: Infierno.)Pero, ¿derivado de qué manes se produjo el catártico reencuentro
entre estas dos personalidades iracundas? A los espíritus tutelares de la Revista Blanca, Thadée Natanson y Felix Féneon, se les ocurrió que fuera precisamente el dramaturgo sueco quien reseñara la exposición que Edvard presentaba en el Salón de L´Art Noveau. August no pudo rehuir tan importante ofrecimiento: en aquel faro periodístico –la revista francesa más importante de la época- publicaban algunas de las mejores plumas del orbe: Renard, Mirabeau, Mallarmé, Dujardin, Ibsen, Proust, Valery, Gide, Jarry, Apolinaire, amén de que ella era diseñada e ilustrada por artistas de la estatura de Bonnard y Toulouse. Asimismo, el escritor nórdico no quería enemistarse con Missia, la esposa de Thadée, quien causaba furor
en aquellos años: tenía fascinados a connotados artistas por su belleza y versátil capacidad como promotora artística (entre otras tareas, auspició la gira de Diaghilev por Europa).
Además de cautivar a sus amigos y ser hermosa (Renoir, Bonnard y Vuillard la inmortalizaron en sendos retratos), ella adquirió renombre como espléndida anfitriona, pues no sólo tocaba con destreza el piano, sino que su imaginativa conversación seducía al más misántropo de los invitados a su domicilio. Motivado por tales razones, Strindberg aceptó la ingrata encomienda de escribir un texto sobre su antiguo rival en aquel atribulado cuarteto sexual padecido en Berlín (Stanczu, Edvard y él mismo disputándose el amor de Ducha), un pintor al que admiraba y detestaba, con quien se identificaba demasiado en el plano espiritual y el cual, por lo mismo, permanentemente confrontaba su más hondo narcisismo. Y muy a su pesar, tal vez por la acción misteriosa de los vericuetos inconscientes de la creación artística, a la postre produjo un opúsculo deslumbrante y hasta apologético,
revelador de la portentosa fuerza plástica de Munch, que sería publicado el mes de junio en la insigne Revista Blanca. Por desgracia y no obstante su tono encomiástico, el texto no consiguió restañar las viejas heridas que ambos artistas se habían infringido.
www.revistadelauniversidad.unam.mx/3707/pdfs/24-29.pdf
August Strindberg. 1892. 120 x 90 cm. Museo de arte Moderno, Stockholm, Sweden.
A Strindberg no le gustó la pintura que de él hizo Munch. Pensó que Edvard había
cargado las tintas al plasmarlo en esa odiosa actitud de artista egocéntrico; y por tal motivo repudió el cuadro de inmediato, porque según él esta imagen pretenciosa no se correspondía con la verdadera naturaleza de su noble espíritu. Sin que le importaran las consecuencias, August decía siempre lo que pensaba, de modo que no sólo criticó la obra sino que terminó insultando al pintor (también le irritó que éste omitiera la letra d en su apellido cuando intituló el cuadro, expuesto hoy en el Museo de Arte Moderno de Estocolmo). La polémica en torno de la calidad estética del retrato finalizó en un amargo distanciamiento, uno de los tantas peleas que sostendrían estas dos almas gemelas, quienes para bien y para mal compartían numerosas cosas en común: la hipocondría, la irascibilidad, la misoginia, la inseguridad personal, la rebeldía innata y un talento de estirpe divina.
Durante estos trepidantes años vividos en Alemania, al iniciarse la última década del XIX, August y Edvard compartieron sus filias y sus fobias, y, lo más importante, se disputaron el amor de una mujer adorable: Dagny Juel (“Ducha”), quien estaba casada con Stanilaw Przybyszewski (“Stanczu”), un extravagante poeta polaco que era el espécimen más conspicuo de la bohemia berlinesa. Ciertamente a Strindberg, como al propio Munch, le encantaba ser víctima y victimario del tortuoso juego de inmiscuirse en triángulos amorosos.
Era algo que los dos artistas no podían controlar: amaban y odiaban a las mujeres; les tenían miedo y las deseaban; eran incapaces de satisfacerlas sexualmente y al mismo tiempo sólo ellas, las más liberadas, les provocaban una excitación sexual apremiante. Ambos engañaron y fueron engañados. August se casó en tres ocasiones y tuvo infinidad de amantes. ¡Una larga suma de fracasos estrepitosos! Su primera mujer, Siri von Wrangel, dejó a su aristocrático marido para casarse con el joven y prometedor dramaturgo: una pasión amorosa que se extinguió con rapidez y se transmutó en un frenético aborrecimiento. El segundo matrimonio resultó más lacerante aún: la bella periodista austriaca, Frida Uhl, quien pronto se hartó de los ataques de su marido, decidió abandonarlo para seguir el rastro de Willy Gretor, un marchante de arte, conocido por seducir y en seguida deshacerse de cuanta
dama se le atravesara en el camino. Y el tercero y último enlace nupcial, esta vez con la jovencísima actriz sueca Harriet Bosse, no fue la excepción: el avejentado y enfermizo August –convertido para entonces en gloria universal de las letras- padeció durante sus últimos años la tortura de saber que su insaciable esposa no era capaz de resistirse a cualquier actor mediocre que quisiera cortejarla. (Para colmo de males, la errática Academia sueca cometió la torpeza de no otorgarle el premio Nóbel.) Y de estas llagas purulentas a lo largo de su vida, Strindberg extrajo obras literarias excepcionales. Munch, por su parte, también se auto flageló en cada una de las relaciones amorosas que sostuvo con hermosas mujeres, pero igualmente supo curar sus heridas a través de lienzos que se fueron sumando y nutriendo unos con otros hasta conformar ese amargo y al mismo tiempo veraz retrato pictórico de las pasiones humanas: el Friso de la vida.
Munch y Strindberg, esos dos amigos y rivales, ambos inseguros y soberbios, misóginos e hipersexuales, talentosos y egotistas, hipocondríacos y atormentados, quienes no dudaron en vender una y mil veces su alma al Diablo a fin de
alcanzar los confines de la más alta creación artística. ¡Un compromiso fáustico pactado con sangre y hasta la muerte! August, desde la ruptura con su segunda esposa, padecía crecientes paranoias y unos celos cada vez más patológicos. Pasaba noches enteras sentado a la mesa, con la foto de sus hijos enfrente y un revólver al lado, coqueteando con la idea del suicidio o bien fantaseando con peligrosos experimentos alquímicos que, debido a su torpeza, le produjeron sucesivos accidentes de consideración. (El demencial diario novelado de estos días aciagos en París se publicó en 1898, y porta el más certero de los títulos posibles: Infierno.)Pero, ¿derivado de qué manes se produjo el catártico reencuentro
entre estas dos personalidades iracundas? A los espíritus tutelares de la Revista Blanca, Thadée Natanson y Felix Féneon, se les ocurrió que fuera precisamente el dramaturgo sueco quien reseñara la exposición que Edvard presentaba en el Salón de L´Art Noveau. August no pudo rehuir tan importante ofrecimiento: en aquel faro periodístico –la revista francesa más importante de la época- publicaban algunas de las mejores plumas del orbe: Renard, Mirabeau, Mallarmé, Dujardin, Ibsen, Proust, Valery, Gide, Jarry, Apolinaire, amén de que ella era diseñada e ilustrada por artistas de la estatura de Bonnard y Toulouse. Asimismo, el escritor nórdico no quería enemistarse con Missia, la esposa de Thadée, quien causaba furor
en aquellos años: tenía fascinados a connotados artistas por su belleza y versátil capacidad como promotora artística (entre otras tareas, auspició la gira de Diaghilev por Europa).
Además de cautivar a sus amigos y ser hermosa (Renoir, Bonnard y Vuillard la inmortalizaron en sendos retratos), ella adquirió renombre como espléndida anfitriona, pues no sólo tocaba con destreza el piano, sino que su imaginativa conversación seducía al más misántropo de los invitados a su domicilio. Motivado por tales razones, Strindberg aceptó la ingrata encomienda de escribir un texto sobre su antiguo rival en aquel atribulado cuarteto sexual padecido en Berlín (Stanczu, Edvard y él mismo disputándose el amor de Ducha), un pintor al que admiraba y detestaba, con quien se identificaba demasiado en el plano espiritual y el cual, por lo mismo, permanentemente confrontaba su más hondo narcisismo. Y muy a su pesar, tal vez por la acción misteriosa de los vericuetos inconscientes de la creación artística, a la postre produjo un opúsculo deslumbrante y hasta apologético,
revelador de la portentosa fuerza plástica de Munch, que sería publicado el mes de junio en la insigne Revista Blanca. Por desgracia y no obstante su tono encomiástico, el texto no consiguió restañar las viejas heridas que ambos artistas se habían infringido.
www.revistadelauniversidad.unam.mx/3707/pdfs/24-29.pdf
jueves, 20 de mayo de 2010
O Pelicano, de August Strindberg
El pelícano, montaje teatral brasilero
Johan August Strindberg (Estocolmo, 22 de enero de 1849 – ibídem, 14 de mayo de 1912)
Autor teatral sueco, considerado con frecuencia como el mejor escritor que ha dado ese país escandinavo. Nació en Estocolmo el 22 de enero de 1849, hijo de un noble arruinado y su sirvienta. Después de cinco años de asistencia discontinua a la Universidad de Uppsala, pasó por distintos trabajos en Estocolmo, tales como maestro, actor, periodista y bibliotecario. Por lo general, los críticos dividen su producción literaria en dos categorías, la naturalista y la expresionista, que coinciden con las dos grandes etapas de su vida, separadas por un periodo totalmente improductivo (1894-1896) durante el cual, el autor vivió en París, sufrió una enfermedad mental y asistió al final de dos de sus tres desdichados matrimonios. Su carrera literaria comienza a los veinte años de edad y su extensa y polifacética producción ha sido recogida en más de setenta volúmenes que incluyen todos los géneros literarios. También se interesó por la fotografía y la pintura y en una etapa de su vida le obsesionó la alquimia. De personalidad esquizofrénica, durante la mayor parte de su vida se sintió acosado y perseguido. Esta peculiaridad dotó a su obra de una especial fuerza y dramatismo. Sintiéndose atacado y perseguido por el movimiento feminista, su feminismo de juventud pronto se transformó en misoginia. Strindberg estuvo casado con tres mujeres (Siri von Essen, Frieda Uhl y Harriet Bosse, en orden cronológico) y tuvo hijos con todas ellas — fueron tres experiencias matrimoniales desastrosas. Protagonizó fuertes polémicas éticas y políticas. A su muerte fue reconocido como un ídolo nacional, asistiendo a su entierro más de 50.000 personas.
Johan August Strindberg (Estocolmo, 22 de enero de 1849 – ibídem, 14 de mayo de 1912)
Autor teatral sueco, considerado con frecuencia como el mejor escritor que ha dado ese país escandinavo. Nació en Estocolmo el 22 de enero de 1849, hijo de un noble arruinado y su sirvienta. Después de cinco años de asistencia discontinua a la Universidad de Uppsala, pasó por distintos trabajos en Estocolmo, tales como maestro, actor, periodista y bibliotecario. Por lo general, los críticos dividen su producción literaria en dos categorías, la naturalista y la expresionista, que coinciden con las dos grandes etapas de su vida, separadas por un periodo totalmente improductivo (1894-1896) durante el cual, el autor vivió en París, sufrió una enfermedad mental y asistió al final de dos de sus tres desdichados matrimonios. Su carrera literaria comienza a los veinte años de edad y su extensa y polifacética producción ha sido recogida en más de setenta volúmenes que incluyen todos los géneros literarios. También se interesó por la fotografía y la pintura y en una etapa de su vida le obsesionó la alquimia. De personalidad esquizofrénica, durante la mayor parte de su vida se sintió acosado y perseguido. Esta peculiaridad dotó a su obra de una especial fuerza y dramatismo. Sintiéndose atacado y perseguido por el movimiento feminista, su feminismo de juventud pronto se transformó en misoginia. Strindberg estuvo casado con tres mujeres (Siri von Essen, Frieda Uhl y Harriet Bosse, en orden cronológico) y tuvo hijos con todas ellas — fueron tres experiencias matrimoniales desastrosas. Protagonizó fuertes polémicas éticas y políticas. A su muerte fue reconocido como un ídolo nacional, asistiendo a su entierro más de 50.000 personas.
domingo, 16 de mayo de 2010
algo
No me quiero hacer una patética defensa la crítica es una enfermedad no entiendes lo sé tampoco hacia donde voy sin puntos ni comas quizás en este momento esté en eso tan común en mí y por qué me doy cuenta cuando ya es error?. Se le paso la mano a mi la vieja parafraseandote parra estamos todos vendidos yo también quizás sólo me falta saber a quien me vendieron.
La ventaja de la desventaja, a puertas de la batalla campal temores hipocondríacos en esta autodestrucción pasiva no se puede hacer rodar lo que está clavado en la tierra, con el dolor de mi alma me dijiste yo no te pudepedirperdón de nuevo.
La técnica nos permite el cómo, pero no los por qué... re-configurando ando, los primeros los últimos los nunca homogeneización de hábitos, costumbres, cultura, no hay mayor locura que la actual organización de la vida a 45 del último o a 43?, detente un momento para poder leer un poco más, los temores de siempre pero ahora con fé, incomunicada con querer inconsciente buena o mala suerte? perdiendo pero ganando más, en etapas que no tienen dirección prefijada mediatizar la información no me gusta en serio en serio, me burlo de las máscaras las victimas y los victimarios disfrazados, no lo puedo evitar a una policromada me gustaría hablarle pero en un tiempo más.
Ingrávida, con un dominio sobredimensionado ja. mis matices varían en el degrade siempre hablamos sobre los nunca tan malos nunca tan buenos. cataratas en el c con esta ele en dos domesticada una música pitiaitaaa un abrazo apretao imperecedero inextinguible, interminable, inmortal como mi amada. Quiero dejar piedra sin piedra no permitirme la sorpresa nunca nunca más, ningún error tan excesivo acultural las palabras de las cosas si se pierden no importan ya se fue los dolores se perdio se retiran en su muerte puedo ver constantemente ir y venir no te mueras tanto que de nada no hay problema que tu sabes el sistema de morir tu quieres destruir que se sabe de la muerte que se busca en un arte de vivir yo de números que se los admiro en su itsmo consu vida y ritmo, como el nunca mucho gracias.
La ventaja de la desventaja, a puertas de la batalla campal temores hipocondríacos en esta autodestrucción pasiva no se puede hacer rodar lo que está clavado en la tierra, con el dolor de mi alma me dijiste yo no te pudepedirperdón de nuevo.
La técnica nos permite el cómo, pero no los por qué... re-configurando ando, los primeros los últimos los nunca homogeneización de hábitos, costumbres, cultura, no hay mayor locura que la actual organización de la vida a 45 del último o a 43?, detente un momento para poder leer un poco más, los temores de siempre pero ahora con fé, incomunicada con querer inconsciente buena o mala suerte? perdiendo pero ganando más, en etapas que no tienen dirección prefijada mediatizar la información no me gusta en serio en serio, me burlo de las máscaras las victimas y los victimarios disfrazados, no lo puedo evitar a una policromada me gustaría hablarle pero en un tiempo más.
Ingrávida, con un dominio sobredimensionado ja. mis matices varían en el degrade siempre hablamos sobre los nunca tan malos nunca tan buenos. cataratas en el c con esta ele en dos domesticada una música pitiaitaaa un abrazo apretao imperecedero inextinguible, interminable, inmortal como mi amada. Quiero dejar piedra sin piedra no permitirme la sorpresa nunca nunca más, ningún error tan excesivo acultural las palabras de las cosas si se pierden no importan ya se fue los dolores se perdio se retiran en su muerte puedo ver constantemente ir y venir no te mueras tanto que de nada no hay problema que tu sabes el sistema de morir tu quieres destruir que se sabe de la muerte que se busca en un arte de vivir yo de números que se los admiro en su itsmo consu vida y ritmo, como el nunca mucho gracias.
El grito / Skrik
Skrik es el título de una serie de grabados y pinturas expresionistas creadas por Edvard Munch. La pintura representa a una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. angustiada contra un cielo rojo sangre. El paisaje en el fondo es Oslo, visto desde la colina de Ekeberg , en Oslo (entonces Kristiania), Noruega .
En una página en su diario dirigido 22.01.1892 Niza, Munch describió su inspiración para la imagen así:
" Estaba caminando por un sendero con dos amigos - el sol se ponía - de pronto el cielo se volvió rojo sangre - Hice una pausa, sintiéndome exhausto, y se apoyó en la cerca - no había sangre y lenguas de fuego sobre el fiordo negro azulado y la ciudad - mis amigos caminando, y yo me quedé allí, temblando de ansiedad - y sentí un grito infinito atravesaba la naturaleza"
hola
viven de una distorsión entonces piensan porque depende del autor distintos momentos valores de decadencia la vida tenia el predominio tentados y seducidos debemos negar nuestra voluntad dominio dentro de la perspectiva seguimos en el pensamiento mágico la acción es eterna las cosas son concretas gigantes sobre dimensionados sentirse miembro de un colectivo de pertenencia es una paradoja de la maquinización funcionan en términos absolutos de la realidad. Que se opone de la prehistoria porque están aquí pero quisiera, estar en otro lugar no tiene razones no esta con nadie ni siquiera con el, esperando su render se prende? de trasnochar no despertar buen tiempo para meditar
sentado en red después flotar
sentado en red después flotar
viernes, 23 de abril de 2010
Gabi - J'ai pas le temps por Carlos Lascano
Carlos Lascano, es un argentino director y escritor, conocido principalmente por sus trabajos en la animación y la ilustración .
El trabajo de este ilustrador es interesante por la belleza y sutileza de los personajes de su creaciones, muchas veces comparado con Tim Burton
Fue muy premiado con el corto llamado La Leyenda del Espantapájaro y ahora en conjunto con Cube Creative y Dreamlife Studio, presentan este video para un artista llamado Gabi y su canción “J’ai pas le temps” video que fue grabado totalmente con una Canon 7D.
La Leyenda del Espantapájaro
El trabajo de este ilustrador es interesante por la belleza y sutileza de los personajes de su creaciones, muchas veces comparado con Tim Burton
Fue muy premiado con el corto llamado La Leyenda del Espantapájaro y ahora en conjunto con Cube Creative y Dreamlife Studio, presentan este video para un artista llamado Gabi y su canción “J’ai pas le temps” video que fue grabado totalmente con una Canon 7D.
La Leyenda del Espantapájaro
martes, 20 de abril de 2010
Análisis Avaricia
Primer Modelo de Análisis
“La avaricia es de naturaleza tan malvada y perversa, que jamás sacia su voraz apetito, y después de comer tiene más hambre que antes”
Dante.
Avaricia es una película muda realizada entre 1923 y 1925, en plenos años 20, época marcada por revoluciones comunicacionales, ya que tras la primera guerra mundial germinaron distintas formas de ver el mundo, fue la década del jazz, los años del tango y charleston, del deporte y también del cine. En estos años el cine mudo vivió su máximo esplendor. Stroheim, se inspira en el trabajo de David Wark Griffith y en el libro de Frank Norris, MC teague, para darle vida a un filme que intenta romper con la mentalidad de la época. Erich von Stroheim nos muestra una sociedad de consumo, la cual tiene su génesis en la revolución industrial. Producto del capitalismo industrial, la pequeña burguesía, o la clase media, ha sido el sector de población que más ha influido en la propagación de los valores, los modos de vida y consumo de la sociedad actual. Erich von Stroheim, observa todos los cambios que vivía esta sociedad superficial e impregna ese espíritu en Greed, película que encarna la sociedad del siglo XIX y sin imaginarlo, la sociedad actual. En los años veinte las películas estadounidenses comenzaron a tener una sofisticación y una delicadeza de estilo que resumía lo que se había aprendido de la práctica. Dos de los directores más populares de la época, Ernst Lubitsch junto a Stroheim, revelaron sus sofisticados y diferentes comportamientos en la pantalla con sus primeras obras en Hollywood. El primero abandonó los espectáculos que había dirigido en su país para hacer comedias ligeras. El trabajo de Von Stroheim, por otra parte, más duro y más europeo en su forma, es de una riqueza original e incluso en ocasiones nostálgico. Avaricia, fue reducida por los ejecutivos del estudio de diez a dos horas. La mayoría de las escenas de lo cortado se han perdido, pero incluso en su forma mutilada es considerada como una de las obras maestras del realismo cinematográfico.
La película se centra en un ambiente norteamericano, y fue rodada en la ciudad de San Francisco, fue creada post Fiebre del oro en California (1848-1855) este fue un fenómeno social ocurrido en Estados Unidos caracterizado por la gran cantidad de inmigrantes que llegaron a las cercanías de San Francisco (California) en busca de dicho metal. La fiebre del oro fue la historia sin precedente del surgimiento de pueblos y medios de comunicación, trajo una revolución tecnológica en el transporte y un despliegue de recursos humanos que transformó todos los sectores sociales. Por otro parte la película fue también filmada en el Valle de la muerte, (escena final) El valle recibe su nombre en 1849, llamado así por los buscadores y otras personas que trataron de cruzar el valle y en su camino a los yacimientos de oro. Al ser un desierto, no todos obtuvieron suerte en su búsqueda.
Stroheim, en Avaricia, consigue elaborar un cuadro en el que los momentos de inestabilidad, morbosidad e irracionalidad, se tornaban cotidianos y con la constante de una crítica hacia ciertos valores efímeros de la vida, tales como el amor al dinero. Un trabajo transgresor que difícilmente logro superar las barreras morales y comerciales de la época.
En el séptimo arte un elemento fundamental es la puesta en escena, constituye el momento en el que el director define el universo que desea representar, dotando los elementos que se necesitan, este plano está relacionado con el Soporte. En el cine mudo comprenden: gestos, música e imágenes, lo que hace una organización del relato fílmico; esto implica una enunciación en el discurso dirigido a un espectador, el acompañamiento musical con algún instrumento es un componente de la narración. De esta manera, se intensifica la acción en los momentos de mayor dramatismo (Muerte de Trina por parte de MC teague) y en el desplazamiento de los personajes. Por otra parte en Greed la música no es excesiva, en muchas ocasiones nos damos cuenta que los silencios pueden acentuar el dramatismo.
Otro elemento del soporte en la película y muy importante por lo demás son las imágenes teñidas de dorado en ciertas momentos, En Greed logramos ver esto en Vasos de oro, cama de latón, marcos dorados, la jaula de los canarios, anillo, etc. Se destaca con el fin de darnos a entender lo importante del mineral precioso para los personajes. Con la falta de procesamiento de colores naturales disponibles, las películas de la época del cine mudo con frecuencia eran sumergidas en colorantes y teñidas de diferentes colores y matices para señalar un estado de ánimo o representar a una hora concreta del día.
El cine mudo requería un mayor énfasis en el lenguaje corporal y en la expresión facial, para que el público pudiera comprender mejor lo que un actor estaba representando y sentía en la pantalla. Esto se hace evidente en escenas claves, como cuando Trina luego de despedir a su madre entra a la habitación y Mc teague la escucha, se dirige a ella para pasar su primera noche como marido y mujer, la gestualidad y expresión de la actriz me recuerda y me hace comparar esos movimientos ha los de una rata acechada por un gato. La calidad actoral de los personajes es destacable.
Por otro lado la función principal de una cámara (fotográfica, video, cine) es actuar en representación visual del espectador, cada encuadre que se realiza tiene un nombre y una especificación, así como también un sentido, que genera en el espectador sensaciones específicas. En Greed se producen mayormente primeros planos y planos americanos, ambos planos sugiere la sensación de acercamiento del espectador hacia el sujeto, se ocupan para centrar el interés del público, en situaciones en que es necesario destacar cierto énfasis que posee la imagen, nos permite acceder con gran eficacia al estado emotivo del personaje, resaltar expresiones pequeñas con el fin de centrar únicamente en una parte del sujeto u objeto la atención del espectador, ejemplo de esto es la imagen del anillo de matrimonio que posee Mc teague, el cual es enfocado en primer plano.
La organización del espacio interno, es en ocasiones laberíntico con el fin de potenciar lo complejo de las relaciones humanas mediadas por el poder, los encuadres cerrados para dar la impresión de encierro y de que no hay salida.
Avaricia, fue grabada después de un terremoto en San francisco, pese a tener grandes problemas de iluminación, emplazamiento de cámaras y climatología adversa (escenas en el desierto), la película es de una calidad impresionante. Se dice que en la secuencia final, filmada en el Valle de la Muerte se grabó con temperaturas de hasta sesenta grados, y en el filme no nos damos cuenta de tal suceso.
La historia de la película comienza cuando un minero decidí irse a San francisco a probar suerte en la ciudad, conoce a un dentista y se hace su aprendiz, se junta con su amigo Marcus y se enamora de Trina (pareja de su amigo) la cual acaba de ganar la lotería. Ella comienza a tener una obsesión por el Dinero y lo atesora como su bien más preciado, Marcus envidioso de que su amigo le haya quitado a su mujer y el dinero, acusa a Mc teague de cometer fraude y no tener título de dentista, le prohíben ejercer como tal, la pareja comienza a tener una vida miserable y trina, pese a ser millonaria, comienza a ahorrar compulsivamente. Su avaricia y la obsesión por el dinero van a conducirlos a una tragedia. Durante todo el filme logramos apreciar la destrucción de los personajes, un ejemplo es Trina al principio la vemos con una mirada asustada, como en el día de su matrimonio, luego pasa a ser neurótica cuando Mc queda sin trabajo y después manipuladora cuando le exige que encuentre trabajo. Marcus al comienza cariñoso con su amigo Mc y luego lo intenta matar conducido por sus celos y MC teague bondadoso y tierno al comienzo y en el desenlace por un lado alcohólico y por otro un ser capaz de matar a su mujer y a su amigo sin ningún remordimiento.
La película está cargada de simbolismo y lo apreciamos enseguida en la primeras escenas el filme se inicia en California, en las montañas cubiertas de oro, este punto es muy importante ya que todo gira en torno a este mineral, comienza cuando MC Teague (minero) está trabajando en la mina, causa gran curiosidad que al tomar las rocas, las toma como lo que son, nada más que rocas, sabiendo que dentro de ellas se oculta el oro que más tarde será su perdición, mientras observa a un pajarito débil al medio del camino, toma al ave y lo besa con ternura (primer plano), luego de eso un minero mal intencionado golpea su mano, el pájaro cae y crece la ira de MC, se revela su lado más violento y tira fuera de la pista al trabajador, bajo un pequeño estímulo se liberan instintos violentos que se mantenían ocultos, esto es producido por la profunda inseguridad de Mc teague.
Logramos ver estos detalles también en el entierro que pasa detrás de su casa cuando se están casando anticipando el desastre futuro. En cada acción hay un elemento que nos recuerda una idea que quiere reflejar el director. El boleto de lotería está relacionado con el inicio de la pareja Trina y Mc League cuando lo gana ella mira al cielo en señal de gratitud a Dios, gratitud no sólo por el premio que acaba de obtener sino también por que pronto se casará con Mc teague y tiene todo lo que deseaba.
Comienzan los conflictos internos cuando Marcus se lamenta de haberle dejado el camino libre a Mc teague y que él se quedara con Trina y también con el dinero, Marcus se arrepiente y grita mirando al cielo, recriminando a Dios. Trina tiene dinero y despierta la ambición en la gente Marcus le cobra dinero a Mc teague lo enfrenta, el dentista se muestra relajado fumando su pipa, el monto que le da el dentista no le parece suficiente e intenta matarlo, para MC el atentado contra su vida es insuficiente en comparación con la ruptura de su pipa, se forma un triangulo entre los personajes, una arista la forma Mc teague la otra Marcus y la última el grupo de amigos, los ángulos en diagonal generan tensión visual. Incriminación y humillación. La pipa rota simboliza el quiebre entre los protagonistas para siempre. Es interesante analizar la relación de estos personajes, al comienzo de la película Marcus le dice a Mc “amigos hasta el final” (o hasta la muerte), muy amigos al comienzo y al final del filme los peores enemigos sin agua y pensando lo desperdiciada que está su vida por culpa de la avaricia.
Trina obsequia diente de oro a Mc teague, él lo coloca en un pedestal lo mira arrodillado y le brinda adoración.
Cuando se casan y están arrodillados tras el sacerdote en la ventana vemos un funeral romano (plano general), símbolo de mal augurio otro signo de mal presagio es cuando
Mc teague tropieza con la solera de la puerta al entrar a la habitación antes de casarse
Después del matrimonio todos felicitan a Trina, nadie a Mc teague entre ellos no hay ninguna relación de cercanía solo esbozan una pequeña sonrisa después del casamiento. Él le regala unos tortolitos, pero ella esta más feliz con el regalo de Marcus, un reloj de oro.
Las obsesiones de Stroheim, lejos de apaciguarse, se incrementaron, sobre todo en el campo del sexo -sea éste enfermizo por sus desviaciones, agresivo, masoquista o fetichista-, tema que siempre ha sido tratado con exceso de cuidado puritano por parte del cine estadounidense, con el fin de crear reacciones en el espectador Stroheim crea la escena de Trina acostándose con el dinero imagen aberrante y repulsiva para espectadores de la época (Irrealista icónica)
Movimiento de mano, símbolo de lo maquiavélico después de robarle el dinero del pantalón a MC Teague.
Trina No quiere invertir en la casa busca excusas para escapar de la venta, Trina se viste de negro como si hubiera momentos en que ella estuviera de luto. Se molesta cuando MC teague compra la casa se cubre las orejas para no escuchar las criticas de su marido, es por este hecho que deduzco que Trina tiene una personalidad inmadura, en la cena tras el matrimonio se muestra a un padre estricto y ausente, no es cercano con sus hijos, pienso que Trina se fija en Mc teague por que él le brinda seguridad y protección al ser dentista, no así Marcus, creo que por eso ella no sufrió cuando él se hizo a un lado y le dejó el camino libre a MC.
Marcus va de visita a despedirse de sus antiguos amigos, en paralelo se ve a un gato acechando la jaula de los pájaros. El gato representa a Marcus y la astucia, los canarios a MC Teague y Trina, Trina se siente encerrada en su jaula, vigilada por su marido, Marcus está al acecho de los dos pájaros, celoso de la fortuna que posee su amigo. En otras escenas cuando ya vemos el descenso de la pareja las aves luchan en su jaula. Cuando le llega la notificación a MC diciéndole que no puede seguir ejerciendo como dentista el gato ataca a los pájaros y comienza la destrucción de la pareja y de sus vidas.
Trina aprieta la esponja con la que limpia y se escurre el agua cuando se entera que MC Teague no es dentista está triste no por su marido, sino por que si le prohíben trabajar a MC teague no producirá dinero.
Las vidas del matrimonio se vuelven cada vez más miserables. Declive económico en paralelo al deterioro de su matrimonio, las vestimentas de los personajes cambian y se transforman en harapos, Trina está triste por el presente pero las monedas la consuelan, es como si las monedas la hechizaran, ella las limpia hasta verlas relucientes y les entrega cariño, no así a su propio esposo con el cual tiene una relación fría.
Si bien ella conoce a Mc siendo dentista, a mi parecer fue eso lo que la conquistó, pero por otro lado ella logra que el dentista este a su nivel. Mc de escasa inteligencia y origen humilde se acomoda a la vida de Trina.
Mc alcohólico golpea a trina para obtener dinero y luego sin remordimientos la mata, en ese momento un gato negro se escabulle.
El odio y la avaricia motivan a Marcus a matar a mc teague, finalmente Marcus muere tras recibir un balazo de su enemigo tras ese episodio Mc descubre que está esposado de él libera al pájaro débil de la jaula / prisión, liberándose también a él mismo. Finalmente nos damos cuenta que por intentar quererlo todo lo perdemos todo y pienso en una interrogante, ¿El Dinero es equivalente a ser Feliz? algo tan aparentemente sencillo de contestar muchas veces engaña. Daniel Gilbert en su libro Tropezar con la felicidad (Editorial Destino) asegura que, pasado un año del momento en que toca la lotería, el nivel de felicidad es el mismo que tiene una persona al año de haberse quedado parapléjico. Es una reflexión importante, ¿Quién alguna vez no ha pensado en que haría si se ganara la lotería?, a mi parecer el dinero logra crear muchas veces necesidades innecesarias ayudadas por el marketing. Maslow nos dice que todas las necesidades del ser humano están jerarquizadas de forma tal, que se van cubriendo desde aquellas orientadas hacia la supervivencia, hacia las que se orientan hacia el desarrollo. A veces cubrimos las necesidades de desarrollo con banalidades, lo importante es no olvidarnos de quienes somos y para donde queremos ir.
“La avaricia es de naturaleza tan malvada y perversa, que jamás sacia su voraz apetito, y después de comer tiene más hambre que antes”
Dante.
Avaricia es una película muda realizada entre 1923 y 1925, en plenos años 20, época marcada por revoluciones comunicacionales, ya que tras la primera guerra mundial germinaron distintas formas de ver el mundo, fue la década del jazz, los años del tango y charleston, del deporte y también del cine. En estos años el cine mudo vivió su máximo esplendor. Stroheim, se inspira en el trabajo de David Wark Griffith y en el libro de Frank Norris, MC teague, para darle vida a un filme que intenta romper con la mentalidad de la época. Erich von Stroheim nos muestra una sociedad de consumo, la cual tiene su génesis en la revolución industrial. Producto del capitalismo industrial, la pequeña burguesía, o la clase media, ha sido el sector de población que más ha influido en la propagación de los valores, los modos de vida y consumo de la sociedad actual. Erich von Stroheim, observa todos los cambios que vivía esta sociedad superficial e impregna ese espíritu en Greed, película que encarna la sociedad del siglo XIX y sin imaginarlo, la sociedad actual. En los años veinte las películas estadounidenses comenzaron a tener una sofisticación y una delicadeza de estilo que resumía lo que se había aprendido de la práctica. Dos de los directores más populares de la época, Ernst Lubitsch junto a Stroheim, revelaron sus sofisticados y diferentes comportamientos en la pantalla con sus primeras obras en Hollywood. El primero abandonó los espectáculos que había dirigido en su país para hacer comedias ligeras. El trabajo de Von Stroheim, por otra parte, más duro y más europeo en su forma, es de una riqueza original e incluso en ocasiones nostálgico. Avaricia, fue reducida por los ejecutivos del estudio de diez a dos horas. La mayoría de las escenas de lo cortado se han perdido, pero incluso en su forma mutilada es considerada como una de las obras maestras del realismo cinematográfico.
La película se centra en un ambiente norteamericano, y fue rodada en la ciudad de San Francisco, fue creada post Fiebre del oro en California (1848-1855) este fue un fenómeno social ocurrido en Estados Unidos caracterizado por la gran cantidad de inmigrantes que llegaron a las cercanías de San Francisco (California) en busca de dicho metal. La fiebre del oro fue la historia sin precedente del surgimiento de pueblos y medios de comunicación, trajo una revolución tecnológica en el transporte y un despliegue de recursos humanos que transformó todos los sectores sociales. Por otro parte la película fue también filmada en el Valle de la muerte, (escena final) El valle recibe su nombre en 1849, llamado así por los buscadores y otras personas que trataron de cruzar el valle y en su camino a los yacimientos de oro. Al ser un desierto, no todos obtuvieron suerte en su búsqueda.
Stroheim, en Avaricia, consigue elaborar un cuadro en el que los momentos de inestabilidad, morbosidad e irracionalidad, se tornaban cotidianos y con la constante de una crítica hacia ciertos valores efímeros de la vida, tales como el amor al dinero. Un trabajo transgresor que difícilmente logro superar las barreras morales y comerciales de la época.
En el séptimo arte un elemento fundamental es la puesta en escena, constituye el momento en el que el director define el universo que desea representar, dotando los elementos que se necesitan, este plano está relacionado con el Soporte. En el cine mudo comprenden: gestos, música e imágenes, lo que hace una organización del relato fílmico; esto implica una enunciación en el discurso dirigido a un espectador, el acompañamiento musical con algún instrumento es un componente de la narración. De esta manera, se intensifica la acción en los momentos de mayor dramatismo (Muerte de Trina por parte de MC teague) y en el desplazamiento de los personajes. Por otra parte en Greed la música no es excesiva, en muchas ocasiones nos damos cuenta que los silencios pueden acentuar el dramatismo.
Otro elemento del soporte en la película y muy importante por lo demás son las imágenes teñidas de dorado en ciertas momentos, En Greed logramos ver esto en Vasos de oro, cama de latón, marcos dorados, la jaula de los canarios, anillo, etc. Se destaca con el fin de darnos a entender lo importante del mineral precioso para los personajes. Con la falta de procesamiento de colores naturales disponibles, las películas de la época del cine mudo con frecuencia eran sumergidas en colorantes y teñidas de diferentes colores y matices para señalar un estado de ánimo o representar a una hora concreta del día.
El cine mudo requería un mayor énfasis en el lenguaje corporal y en la expresión facial, para que el público pudiera comprender mejor lo que un actor estaba representando y sentía en la pantalla. Esto se hace evidente en escenas claves, como cuando Trina luego de despedir a su madre entra a la habitación y Mc teague la escucha, se dirige a ella para pasar su primera noche como marido y mujer, la gestualidad y expresión de la actriz me recuerda y me hace comparar esos movimientos ha los de una rata acechada por un gato. La calidad actoral de los personajes es destacable.
Por otro lado la función principal de una cámara (fotográfica, video, cine) es actuar en representación visual del espectador, cada encuadre que se realiza tiene un nombre y una especificación, así como también un sentido, que genera en el espectador sensaciones específicas. En Greed se producen mayormente primeros planos y planos americanos, ambos planos sugiere la sensación de acercamiento del espectador hacia el sujeto, se ocupan para centrar el interés del público, en situaciones en que es necesario destacar cierto énfasis que posee la imagen, nos permite acceder con gran eficacia al estado emotivo del personaje, resaltar expresiones pequeñas con el fin de centrar únicamente en una parte del sujeto u objeto la atención del espectador, ejemplo de esto es la imagen del anillo de matrimonio que posee Mc teague, el cual es enfocado en primer plano.
La organización del espacio interno, es en ocasiones laberíntico con el fin de potenciar lo complejo de las relaciones humanas mediadas por el poder, los encuadres cerrados para dar la impresión de encierro y de que no hay salida.
Avaricia, fue grabada después de un terremoto en San francisco, pese a tener grandes problemas de iluminación, emplazamiento de cámaras y climatología adversa (escenas en el desierto), la película es de una calidad impresionante. Se dice que en la secuencia final, filmada en el Valle de la Muerte se grabó con temperaturas de hasta sesenta grados, y en el filme no nos damos cuenta de tal suceso.
La historia de la película comienza cuando un minero decidí irse a San francisco a probar suerte en la ciudad, conoce a un dentista y se hace su aprendiz, se junta con su amigo Marcus y se enamora de Trina (pareja de su amigo) la cual acaba de ganar la lotería. Ella comienza a tener una obsesión por el Dinero y lo atesora como su bien más preciado, Marcus envidioso de que su amigo le haya quitado a su mujer y el dinero, acusa a Mc teague de cometer fraude y no tener título de dentista, le prohíben ejercer como tal, la pareja comienza a tener una vida miserable y trina, pese a ser millonaria, comienza a ahorrar compulsivamente. Su avaricia y la obsesión por el dinero van a conducirlos a una tragedia. Durante todo el filme logramos apreciar la destrucción de los personajes, un ejemplo es Trina al principio la vemos con una mirada asustada, como en el día de su matrimonio, luego pasa a ser neurótica cuando Mc queda sin trabajo y después manipuladora cuando le exige que encuentre trabajo. Marcus al comienza cariñoso con su amigo Mc y luego lo intenta matar conducido por sus celos y MC teague bondadoso y tierno al comienzo y en el desenlace por un lado alcohólico y por otro un ser capaz de matar a su mujer y a su amigo sin ningún remordimiento.
La película está cargada de simbolismo y lo apreciamos enseguida en la primeras escenas el filme se inicia en California, en las montañas cubiertas de oro, este punto es muy importante ya que todo gira en torno a este mineral, comienza cuando MC Teague (minero) está trabajando en la mina, causa gran curiosidad que al tomar las rocas, las toma como lo que son, nada más que rocas, sabiendo que dentro de ellas se oculta el oro que más tarde será su perdición, mientras observa a un pajarito débil al medio del camino, toma al ave y lo besa con ternura (primer plano), luego de eso un minero mal intencionado golpea su mano, el pájaro cae y crece la ira de MC, se revela su lado más violento y tira fuera de la pista al trabajador, bajo un pequeño estímulo se liberan instintos violentos que se mantenían ocultos, esto es producido por la profunda inseguridad de Mc teague.
Logramos ver estos detalles también en el entierro que pasa detrás de su casa cuando se están casando anticipando el desastre futuro. En cada acción hay un elemento que nos recuerda una idea que quiere reflejar el director. El boleto de lotería está relacionado con el inicio de la pareja Trina y Mc League cuando lo gana ella mira al cielo en señal de gratitud a Dios, gratitud no sólo por el premio que acaba de obtener sino también por que pronto se casará con Mc teague y tiene todo lo que deseaba.
Comienzan los conflictos internos cuando Marcus se lamenta de haberle dejado el camino libre a Mc teague y que él se quedara con Trina y también con el dinero, Marcus se arrepiente y grita mirando al cielo, recriminando a Dios. Trina tiene dinero y despierta la ambición en la gente Marcus le cobra dinero a Mc teague lo enfrenta, el dentista se muestra relajado fumando su pipa, el monto que le da el dentista no le parece suficiente e intenta matarlo, para MC el atentado contra su vida es insuficiente en comparación con la ruptura de su pipa, se forma un triangulo entre los personajes, una arista la forma Mc teague la otra Marcus y la última el grupo de amigos, los ángulos en diagonal generan tensión visual. Incriminación y humillación. La pipa rota simboliza el quiebre entre los protagonistas para siempre. Es interesante analizar la relación de estos personajes, al comienzo de la película Marcus le dice a Mc “amigos hasta el final” (o hasta la muerte), muy amigos al comienzo y al final del filme los peores enemigos sin agua y pensando lo desperdiciada que está su vida por culpa de la avaricia.
Trina obsequia diente de oro a Mc teague, él lo coloca en un pedestal lo mira arrodillado y le brinda adoración.
Cuando se casan y están arrodillados tras el sacerdote en la ventana vemos un funeral romano (plano general), símbolo de mal augurio otro signo de mal presagio es cuando
Mc teague tropieza con la solera de la puerta al entrar a la habitación antes de casarse
Después del matrimonio todos felicitan a Trina, nadie a Mc teague entre ellos no hay ninguna relación de cercanía solo esbozan una pequeña sonrisa después del casamiento. Él le regala unos tortolitos, pero ella esta más feliz con el regalo de Marcus, un reloj de oro.
Las obsesiones de Stroheim, lejos de apaciguarse, se incrementaron, sobre todo en el campo del sexo -sea éste enfermizo por sus desviaciones, agresivo, masoquista o fetichista-, tema que siempre ha sido tratado con exceso de cuidado puritano por parte del cine estadounidense, con el fin de crear reacciones en el espectador Stroheim crea la escena de Trina acostándose con el dinero imagen aberrante y repulsiva para espectadores de la época (Irrealista icónica)
Movimiento de mano, símbolo de lo maquiavélico después de robarle el dinero del pantalón a MC Teague.
Trina No quiere invertir en la casa busca excusas para escapar de la venta, Trina se viste de negro como si hubiera momentos en que ella estuviera de luto. Se molesta cuando MC teague compra la casa se cubre las orejas para no escuchar las criticas de su marido, es por este hecho que deduzco que Trina tiene una personalidad inmadura, en la cena tras el matrimonio se muestra a un padre estricto y ausente, no es cercano con sus hijos, pienso que Trina se fija en Mc teague por que él le brinda seguridad y protección al ser dentista, no así Marcus, creo que por eso ella no sufrió cuando él se hizo a un lado y le dejó el camino libre a MC.
Marcus va de visita a despedirse de sus antiguos amigos, en paralelo se ve a un gato acechando la jaula de los pájaros. El gato representa a Marcus y la astucia, los canarios a MC Teague y Trina, Trina se siente encerrada en su jaula, vigilada por su marido, Marcus está al acecho de los dos pájaros, celoso de la fortuna que posee su amigo. En otras escenas cuando ya vemos el descenso de la pareja las aves luchan en su jaula. Cuando le llega la notificación a MC diciéndole que no puede seguir ejerciendo como dentista el gato ataca a los pájaros y comienza la destrucción de la pareja y de sus vidas.
Trina aprieta la esponja con la que limpia y se escurre el agua cuando se entera que MC Teague no es dentista está triste no por su marido, sino por que si le prohíben trabajar a MC teague no producirá dinero.
Las vidas del matrimonio se vuelven cada vez más miserables. Declive económico en paralelo al deterioro de su matrimonio, las vestimentas de los personajes cambian y se transforman en harapos, Trina está triste por el presente pero las monedas la consuelan, es como si las monedas la hechizaran, ella las limpia hasta verlas relucientes y les entrega cariño, no así a su propio esposo con el cual tiene una relación fría.
Si bien ella conoce a Mc siendo dentista, a mi parecer fue eso lo que la conquistó, pero por otro lado ella logra que el dentista este a su nivel. Mc de escasa inteligencia y origen humilde se acomoda a la vida de Trina.
Mc alcohólico golpea a trina para obtener dinero y luego sin remordimientos la mata, en ese momento un gato negro se escabulle.
El odio y la avaricia motivan a Marcus a matar a mc teague, finalmente Marcus muere tras recibir un balazo de su enemigo tras ese episodio Mc descubre que está esposado de él libera al pájaro débil de la jaula / prisión, liberándose también a él mismo. Finalmente nos damos cuenta que por intentar quererlo todo lo perdemos todo y pienso en una interrogante, ¿El Dinero es equivalente a ser Feliz? algo tan aparentemente sencillo de contestar muchas veces engaña. Daniel Gilbert en su libro Tropezar con la felicidad (Editorial Destino) asegura que, pasado un año del momento en que toca la lotería, el nivel de felicidad es el mismo que tiene una persona al año de haberse quedado parapléjico. Es una reflexión importante, ¿Quién alguna vez no ha pensado en que haría si se ganara la lotería?, a mi parecer el dinero logra crear muchas veces necesidades innecesarias ayudadas por el marketing. Maslow nos dice que todas las necesidades del ser humano están jerarquizadas de forma tal, que se van cubriendo desde aquellas orientadas hacia la supervivencia, hacia las que se orientan hacia el desarrollo. A veces cubrimos las necesidades de desarrollo con banalidades, lo importante es no olvidarnos de quienes somos y para donde queremos ir.
sábado, 10 de abril de 2010
Avaricia
La Avaricia por Jacob Matham
AVARICIA :
La avaricia es una inclinación o deseo desordenado de placeres o de posesiones. La codicia, por su parte es el afán excesivo de riquezas, sin necesidad de querer atesorarlas.
La codicia (o a veces la avaricia) se considera un pecado capital, y como tal, en cualquier sociedad y época, ha sido demostrada como un vicio. En efecto, al tratarse de un deseo que sobrepasa los límites de lo ordinario o lícito, se califica con este sustantivo actitudes peyorativas en lo referente a las riquezas.
La codicia es un término que describe muchos otros ejemplos de pecados. Estos incluyen deslealtad, traición deliberada, especialmente para el beneficio personal, como en el caso de dejarse sobornar. Búsqueda y acumulación de objetos, estafa, robo y asalto, especialmente con violencia, los engaños o la manipulación de la autoridad son todas acciones que pueden ser inspirados por la avaricia. Tales actos pueden incluir la simonía
Los budistas creen que la codicia está basada en una errada conexión material con la felicidad. Esto es causado por una perspectiva que exagera los aspectos de un objeto.
No hay nadie peor que el avaro consigo mismo, y ese es el justo pago de su maldad.
Libro Eclesiástico
miércoles, 31 de marzo de 2010
James Ensor
JAMES ENSOR (1860-1949) – Pintor violento, cuyas obras de apariencia inacabadas lo convierten en un precursor del expresionismo.
Esqueletos que intentan calentarse
La señorita triste
lunes, 29 de marzo de 2010
jueves, 25 de marzo de 2010
Comentario Avaricia
Los años 20' fué una época marcada por revoluciones comunicacionales, tras la primera guerra mundial surgieron distintas maneras de ver el mundo, fue la década del jazz, los años del tango y charleston, del deporte y también del cine. En estos años el cine mudo vivió su máximo esplendor.
En 1923, Erich von Stroheim, inspirado en el trabajo de David Wark Griffith, filma Avaricia, película que intenta romper la mentalidad de la época.
Sobre esta película el mismo Stroheim ha definido a sus personajes como parásitos sociales, los cuales se sienten gozosos en un mundo de lujuria y degeneración. A estos personajes vemos destruirse física y moralmente durante todo el filme y esto se ejemplifica al comienzo al ver a Mc teague tierno y bondadoso frente al pájaro y al final poseído por su rabia quitandole la vida a Marcus, o cuando vemos a Trina totalmente avara y a Mc Teague convertido en alcohólico. A lo largo de la película vemos escenas atrevidas y muchas veces indecentes para ciertos moralistas de esa época. Vemos una realidad superficial y decadente y a personajes inmorales por cotidianidad. Imagen que no se ve alejada a la realidad actual de la sociedad, han pasado ocho décadas trás la película y en el mundo seguimos viendo la avaricia y la falta de humanidad en mucha gente, instintos ocultos que se liberan muy fácilmente con estímulos mínimos, instintos llevados a extremos sobredimensionados y que encaminan a la perdición total.
Con respecto a los aspectos técnicos de la película puedo decir que los planos son perfectos, no por que las técnicas de grabación hayan sido precarias y primitivas este filme es mediocre, todo lo contrario, la intensidad musical en los primeros planos generan una tensión la cual se mantiene durante mucho tiempo en el espectador, los picados y contrapicados también ayudan a esta tensión, la calidad visual es muy alta y la actuación de los personajes destacable, con gran énfasis en el lenguaje corporal y la expresión facial recuerdo la escena cuando Trina está anestesiada y sentada frente a MC teague, ella inmaculada y él deseoso de poseerla, recuerdo la cara del personaje y me transmite terror.
En 1923, Erich von Stroheim, inspirado en el trabajo de David Wark Griffith, filma Avaricia, película que intenta romper la mentalidad de la época.
Sobre esta película el mismo Stroheim ha definido a sus personajes como parásitos sociales, los cuales se sienten gozosos en un mundo de lujuria y degeneración. A estos personajes vemos destruirse física y moralmente durante todo el filme y esto se ejemplifica al comienzo al ver a Mc teague tierno y bondadoso frente al pájaro y al final poseído por su rabia quitandole la vida a Marcus, o cuando vemos a Trina totalmente avara y a Mc Teague convertido en alcohólico. A lo largo de la película vemos escenas atrevidas y muchas veces indecentes para ciertos moralistas de esa época. Vemos una realidad superficial y decadente y a personajes inmorales por cotidianidad. Imagen que no se ve alejada a la realidad actual de la sociedad, han pasado ocho décadas trás la película y en el mundo seguimos viendo la avaricia y la falta de humanidad en mucha gente, instintos ocultos que se liberan muy fácilmente con estímulos mínimos, instintos llevados a extremos sobredimensionados y que encaminan a la perdición total.
Con respecto a los aspectos técnicos de la película puedo decir que los planos son perfectos, no por que las técnicas de grabación hayan sido precarias y primitivas este filme es mediocre, todo lo contrario, la intensidad musical en los primeros planos generan una tensión la cual se mantiene durante mucho tiempo en el espectador, los picados y contrapicados también ayudan a esta tensión, la calidad visual es muy alta y la actuación de los personajes destacable, con gran énfasis en el lenguaje corporal y la expresión facial recuerdo la escena cuando Trina está anestesiada y sentada frente a MC teague, ella inmaculada y él deseoso de poseerla, recuerdo la cara del personaje y me transmite terror.
lunes, 22 de marzo de 2010
Greed
Erich von Stroheim
(Viena, 1885 - Maurepas, 1957) Director y actor cinematográfico austríaco. Los orígenes familiares de Von Stroheim se mantienen ocultos tras una nube impenetrable que el propio interesado se ha encargado siempre de alimentar. Él siempre insistió en que procedía de una familia noble centroeuropea, pero sólo se sabe que estudió en la Academia Militar de su país y que permaneció en el ejército casi durante una década, hasta que en 1909 se trasladó a Estados Unidos, según se dice, tras haber desertado.
Una vez en este país, trabajó en lo que pudo, desde empleos menores hasta otros más variopintos, como actor, cantante de “music-hall” o presentador de desfiles de modas. Mostraba también cierto interés por la escritura, por las obras de teatro y las novelas baratas. Entró en el mundo del cine sin apenas hacer ruido, como extra y especialista. El capitán Macklin (1914), de Jack Conway, supuso su debut como actor y su primer contacto con John Emerson, uno de los directores estadounidenses que iniciaban por aquel entonces su carrera y con el que colaboró como actor y ayudante de dirección en otras seis películas.
No obstante, el director de estos primeros años que más le marcaría en su carrera fue David Wark Griffith, con el que trabajó como actor en El nacimiento de una nación (1915) y, especialmente, como actor y ayudante de dirección en Intolerancia (1916). Stroheim se vio sorprendido en este caso por la capacidad de Griffith para romper con la mentalidad de la época y desarrollar proyectos de gran envergadura que, sin duda, le ilustraron para sus posteriores trabajos como director.
Tras el aprendizaje al lado de Griffith y Raoul Walsh, Stroheim consiguió que el productor Carl Laemmle, propietario de la Universal, le dejara dirigir Blind Husbands (1919), adaptación de Pinacle, una de sus obras. Aquí ya aparece como actor principal, interpretando a un militar aristocrático “amante del buen vino, las mujeres y las canciones”. El éxito obtenido por esta película le permitirá a Stroheim continuar con su carrera al lado de Laemmle, quien le produjo sus dos siguientes trabajos: La ganzúa del diablo (1920) y Esposas frívolas (1922).
Por esos años, Erich von Stroheim comenzó a definir en gran medida el perfil de su personaje más conocido, el de oficial prusiano, un rostro incapaz de mostrar un resquicio de humanidad, implacable aunque juerguista y frívolo, capaz de reírse de sus “orígenes” aristocráticos a fuerza de hacer creer que no hacía más que interpretarse a sí mismo. Es la fiel imagen de la decadencia; algunos de sus personajes no son otra cosa que parásitos sociales capaces de perseguir a los humildes y de sentirse gozosos en un mundo de lujuria y degeneración.
Stroheim no había perdido de vista las enseñanzas de su maestro Griffith, de ahí que en Esposas frívolas viera la oportunidad de demostrar que también sabía dominar el espacio y la acción en marcos inigualables y sorprendentes para la época. Laemmle construyó en sus estudios, y a escala real, una réplica de la Plaza Central de Montecarlo, en donde se aprecian el Café de París y el famoso Casino.
El ambiente de trabajo que rodeó la producción fue bastante tenso, por cuanto el rodaje se prolongó nueve meses más de lo establecido y en el montaje se produjo un fuerte enfrentamiento entre Stroheim, Laemmle y su asesor, Irving Thalberg. El director quería estrenar una película de seis horas en dos partes, postura a la que se oponían la mayoría de los distribuidores y exhibidores del momento. Además, los contenidos de la película no resultaban del todo aconsejables para que el estreno pudiera ser apto para un público masivo, dado que contenía escenas escabrosas y consideradas indecentes por los diversos comités moralistas y por el propio productor.
La película rezumaba insinuaciones acerca de la decadencia de la aristocracia y, a caballo del horror y la ternura, Stroheim consiguió elaborar un cuadro en el que se sucedían los momentos de inestabilidad, morbosidad e irracionalidad, siempre en un marco cotidiano y con la constante de una crítica hacia ciertos valores efímeros de la vida. Un espectáculo, en definitiva, transgresor que difícilmente pudo superar las barreras morales y comerciales de la época.
Las obsesiones de Stroheim, lejos de apaciguarse, se incrementaron, sobre todo en el campo del sexo -sea éste enfermizo por sus desviaciones, agresivo, masoquista o fetichista-, tema que siempre ha sido tratado con exceso de cuidado puritano por parte del cine estadounidense. El director austríaco se mostró siempre contrario a soportar la tiranía de un código de conducta hipócrita. Por eso, sus actuaciones se movieron por caminos que, ineludiblemente, provocaron numerosas reacciones.
Tras abandonar la Universal, Stroheim consiguió que Goldwyn Pictures le apoyase en su película Avaricia (1924), una revisión de la sociedad estadounidense a partir de la adaptación de la novela de Frank Norris McTeague, en la que hace hincapié en los instintos de la humanidad ocultos bajo el manto del civismo más convencional. El director buscaba realizar otro proyecto minucioso hasta la exageración que terminó en una película de siete horas de duración. Ante la iracunda reacción de Thalberg (ahora en la recién constituida Metro Goldwyn Mayer), de quien dependía la película de Stroheim, tuvo que reducir el metraje y dejar en su mínima expresión lo que era la idea original. No obstante, aunque en su momento no tuvo el éxito esperado, Avaricia (Greed) se consolidó como una de las grandes aportaciones del cine mudo y en ella la calidad narrativa de Stroheim se hace evidente.
(Viena, 1885 - Maurepas, 1957) Director y actor cinematográfico austríaco. Los orígenes familiares de Von Stroheim se mantienen ocultos tras una nube impenetrable que el propio interesado se ha encargado siempre de alimentar. Él siempre insistió en que procedía de una familia noble centroeuropea, pero sólo se sabe que estudió en la Academia Militar de su país y que permaneció en el ejército casi durante una década, hasta que en 1909 se trasladó a Estados Unidos, según se dice, tras haber desertado.
Una vez en este país, trabajó en lo que pudo, desde empleos menores hasta otros más variopintos, como actor, cantante de “music-hall” o presentador de desfiles de modas. Mostraba también cierto interés por la escritura, por las obras de teatro y las novelas baratas. Entró en el mundo del cine sin apenas hacer ruido, como extra y especialista. El capitán Macklin (1914), de Jack Conway, supuso su debut como actor y su primer contacto con John Emerson, uno de los directores estadounidenses que iniciaban por aquel entonces su carrera y con el que colaboró como actor y ayudante de dirección en otras seis películas.
No obstante, el director de estos primeros años que más le marcaría en su carrera fue David Wark Griffith, con el que trabajó como actor en El nacimiento de una nación (1915) y, especialmente, como actor y ayudante de dirección en Intolerancia (1916). Stroheim se vio sorprendido en este caso por la capacidad de Griffith para romper con la mentalidad de la época y desarrollar proyectos de gran envergadura que, sin duda, le ilustraron para sus posteriores trabajos como director.
Tras el aprendizaje al lado de Griffith y Raoul Walsh, Stroheim consiguió que el productor Carl Laemmle, propietario de la Universal, le dejara dirigir Blind Husbands (1919), adaptación de Pinacle, una de sus obras. Aquí ya aparece como actor principal, interpretando a un militar aristocrático “amante del buen vino, las mujeres y las canciones”. El éxito obtenido por esta película le permitirá a Stroheim continuar con su carrera al lado de Laemmle, quien le produjo sus dos siguientes trabajos: La ganzúa del diablo (1920) y Esposas frívolas (1922).
Por esos años, Erich von Stroheim comenzó a definir en gran medida el perfil de su personaje más conocido, el de oficial prusiano, un rostro incapaz de mostrar un resquicio de humanidad, implacable aunque juerguista y frívolo, capaz de reírse de sus “orígenes” aristocráticos a fuerza de hacer creer que no hacía más que interpretarse a sí mismo. Es la fiel imagen de la decadencia; algunos de sus personajes no son otra cosa que parásitos sociales capaces de perseguir a los humildes y de sentirse gozosos en un mundo de lujuria y degeneración.
Stroheim no había perdido de vista las enseñanzas de su maestro Griffith, de ahí que en Esposas frívolas viera la oportunidad de demostrar que también sabía dominar el espacio y la acción en marcos inigualables y sorprendentes para la época. Laemmle construyó en sus estudios, y a escala real, una réplica de la Plaza Central de Montecarlo, en donde se aprecian el Café de París y el famoso Casino.
El ambiente de trabajo que rodeó la producción fue bastante tenso, por cuanto el rodaje se prolongó nueve meses más de lo establecido y en el montaje se produjo un fuerte enfrentamiento entre Stroheim, Laemmle y su asesor, Irving Thalberg. El director quería estrenar una película de seis horas en dos partes, postura a la que se oponían la mayoría de los distribuidores y exhibidores del momento. Además, los contenidos de la película no resultaban del todo aconsejables para que el estreno pudiera ser apto para un público masivo, dado que contenía escenas escabrosas y consideradas indecentes por los diversos comités moralistas y por el propio productor.
La película rezumaba insinuaciones acerca de la decadencia de la aristocracia y, a caballo del horror y la ternura, Stroheim consiguió elaborar un cuadro en el que se sucedían los momentos de inestabilidad, morbosidad e irracionalidad, siempre en un marco cotidiano y con la constante de una crítica hacia ciertos valores efímeros de la vida. Un espectáculo, en definitiva, transgresor que difícilmente pudo superar las barreras morales y comerciales de la época.
Las obsesiones de Stroheim, lejos de apaciguarse, se incrementaron, sobre todo en el campo del sexo -sea éste enfermizo por sus desviaciones, agresivo, masoquista o fetichista-, tema que siempre ha sido tratado con exceso de cuidado puritano por parte del cine estadounidense. El director austríaco se mostró siempre contrario a soportar la tiranía de un código de conducta hipócrita. Por eso, sus actuaciones se movieron por caminos que, ineludiblemente, provocaron numerosas reacciones.
Tras abandonar la Universal, Stroheim consiguió que Goldwyn Pictures le apoyase en su película Avaricia (1924), una revisión de la sociedad estadounidense a partir de la adaptación de la novela de Frank Norris McTeague, en la que hace hincapié en los instintos de la humanidad ocultos bajo el manto del civismo más convencional. El director buscaba realizar otro proyecto minucioso hasta la exageración que terminó en una película de siete horas de duración. Ante la iracunda reacción de Thalberg (ahora en la recién constituida Metro Goldwyn Mayer), de quien dependía la película de Stroheim, tuvo que reducir el metraje y dejar en su mínima expresión lo que era la idea original. No obstante, aunque en su momento no tuvo el éxito esperado, Avaricia (Greed) se consolidó como una de las grandes aportaciones del cine mudo y en ella la calidad narrativa de Stroheim se hace evidente.
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